 |  |
|  | Get Your Own! |
| Cool Slideshows |
Праздник Радости и Единения.
Шестого декабря в здании Организации Объединенных Наций открылась выставка группы “Art of Inspiration – Друзья Владимира Андреева». Просторный холл Секретариата ООН вместил более двухсот приглашенных и гостей, пришедших разделить радость этого волнующего события с авторами работ. На выставке представлены 42 участника проекта из России и США.
На открытии звучала русская и американская музыка. Прекрасно выступил певец Сассон Акбашев, исполнив песни на английском, русском и испанском языках. В этот вечер искусство объединило людей в радости и восхищении от увиденного и услышанного. 65 произведений живописи и художественной фотографии составляют представленную экспозицию, и особое достоинство выставки – ее дизайн.
При всей разности индивидуальностей авторов, жанров и техник представленных работ, выставка создала ощущение единства и гармонии. И в этот вечер главенствовал язык искусства, не нуждающийся в переводе.
Это двенадцатая выставка проекта «Art of Inspiration». Путь выставок прошел через Мурманск, Москву, Сургут, Смоленск, Талдом, Московской области, Сычевку, Смоленской области, Воркуту, и Нью-Йорк, где прошли пять выставок в Бруклинском Aрт-клубе, Национальном Kлубе Искусств и в Русском книжном магазине 21 на Пятой Авеню. И теперь вот эта, проходящая сегодня в стенах Организации Объединенных Наций.
Большинство зрителей выставки – служащие ООН, представляющие более 110 стран Мира.
Вот как высказала свое впечатление об открытии выставки одна из участниц проекта Радмила Ладижинская: «В этот вечер я и моя семья попали в особую атмосферу – атмосферу творчества, доброжелательности, взаимопонимания. Многие, не зная друг друга до выставки, легко находили общий язык. Общее впечатление от выставки – то, что представленная экспозиция – это творчество единой команды, сохраняющей, тем не менее, индивидуальность каждого из ее участников».
Майк и Андре Мастроджакомо, участники проекта с американской стороны, говорят о том, что выставка в ООН, организованная руководителем проекта Владимиром Андреевым, имеет грандиозный успех. Выставка показывает растущий интерес американцев к современной российской живописи и фотографии, и важно и символично то, что коллекция, представляющая культуры двух великих стран – России и Америки, экспонируется именно в стенах ООН.
Советник по культуре российской миссии при ООН Александр Мусиенко и один из организаторов выставки – предзидент Русского книжного клуба при ООН Александр Туболец в своих выступлениях высказали мысль о важности совместной творческой работы художников и фотографов двух стран. Обмен творческим опытом при создании проектов, подобных этому, дает огромный импульс каждому из участников внимательнее всмотреться друг в друга, глубже постичь культуру и историю двух стран, и, как сказал один из участников проекта Евгений Лукьянов, «я бы перевел название нашей команды «Art of Inspiration» как «Искусство вдохновлять».
Проект продолжает свой путь. В наступающем 2007 году предстоят 12 новых выставок как в России, так и в Америке, и я, Владимир Андреев, руководитель проекта, хочу сердечно поздравить всех с наступающим Новым Годом, сказать огромное спасибо всем участникам проекта и пожелать творческих успехов, здоровья и счастья.
Да хранит вас Бог!
Фотоживопись Владимира Андреева
«Vladimir’s heart is as big as the World which he captures through the lens of his camera.»
Allison Needham
Когда вы приходите на какую-либо выставку, вы ожидаете увидеть там нечто, что может или поразить ваше воображение, или заставить задуматься, или, как говорится, «зацепить за душу». Редко случается, когда срабатывают все три компонента. Если же люди попадают не просто на художественную выставку, а на фотовернисаж,многим приходит в голову, что хорошо фотографировать, в принципе, в состоянии каждый — тем более сегодня, когда цифровые камеры доступны практически всем, да и обработке их в «фотошопе», при известном прилежании, можно научить любого. Ведь здесь инструмент — не кисточка с краской, не холст с грунтовкой... Просто лови момент, да вовремя нажимай на спуск. Но, что самое странное — не получается! Два человека, три, десять могут делать фотографии в одно и то же время, примерно из одной точки, одной фотокамерой — и все эти снимки будут разными... Оказывается, не в инструменте суть, не в умении пользоваться камерой и компьютерными программами, не в знании техники, хотя все это, в конце концов, вовсе не мешает, а, безусловно, помогает. Дело в том, как человек видит то, что снимает, как он чувствует то мгновение, которое «останавливает», как он соотносит себя с предметом, на который нацелена его камера. Короче, дело всего лишь в таланте. И вот здесь можно исписать горы страниц, пытаясь объяснить, как это работает, причем принять участие в этом может и сам фотохудожник, но все эти объяснения, уж поверьте, ни на йоту не приблизят нас к пониманию этого процесса. Талант, дар Божий — тайна не меньшая, чем сама жизнь. Напрасной попыткой «поверить алгеброй гармонию» стал бы подробный рассказ о том, как работает очень необычный нью-йоркский фотохудожник Владимир Андреев, что делает в начале творческого процесса, как доводит до середины и чем завершает. Отметим пока лишь небольшую деталь — этот автор практически никогда не кадрирует свои фотографии, стараясь, ко всему прочему, еще и вмешательство «фотошопа» свести к минимуму. Это, конечно, говорит нам кое-что о художественном методе Андреева.
Но гораздо плодотворнее, на мой взгляд, было бы постараться понять — почему его фотоработы, такие безыскусные
на первый взгляд, производят просто убойное впечатление на всех (без исключения, заметьте!), кто хотя бы мимолетно соприкоснулся с его творчеством? Итак, что мы видим на фотографиях, а вернее, на полотнах Владимира? Преждевсего, это природа. Америка, Швеция, Италия, Россия... Затем архитектура — в первую очередь нью-йоркская... И опять цветы, деревья, реки, небо, облака... Очень редко на его снимках появляются люди, и почти всегда — не в качестве главных героев изображения. Эта деталь много говорит нам о философии художника — для Андреева человек вовсе не является центром мироздания, как для большинства из нас. Для Владимира он — лишь маленькая, существующая на равных с другими, часть огромной и прекрасной картины, написанной Создателем. Той картины, которой художник не устает восхищаться и поклоняться, буквально силой навязывая это восхищение нам, его зрителям, с помощью своей фотокамеры. Даже неискушенному в искусстве человеку ясно, что Андреев и не помышляет конкурировать с Богом — ни путем создания неких фотогомункулусов, как это делает большинство из его нью-йоркских собратьев в поисках новых форм и эффектов, стараясь изо всех сил поразить наше воображение, ни путем выхваченных из жизни сцен, поданных в определенном ракурсе и тем самым наталкивающих зрителя на подсказанную автором идею... Как мне кажется, Владимир вообще не берет в расчет зрителя, не думает о нем, когда создает свои фотошедевры. Мало того, на мой взгляд, в его работах отсутствует любая мысль, как это ни парадоксально. Зато в них живет то, что напрочь потеряно сегодня большинством художников — страсть! Мощная и зажигающая. Этой почти эротической по накалу чувственностью пронизаны все снимки Владимира Андреева. Вследствие чего, кстати, между ними на выставках желательно выдерживать расстояния не менее метра — выплески энергии настолько сильны, что зрителю просто необходим некий пространственный отдых, для того, чтобы успеть перестроить свое восприятие на следующую работу. Эта страсть, эта не затуманенная игрой ума эмоциональность в искусстве — в Америке, по крайней мере, — само по себе уже настолько хорошо забытое старое, что выглядит сегодня, как совершенно новое. В этом — открытие, в этом «эврика» Владимира Андреева. Он возвращает искусство к его истокам, он возвращает человека к первобытному, одухотворенному, обожествленному, чуть ли не языческому восприятию природы. На мой взгляд, такое мирочувствие Владимира подтверждают большинство его снимков, сделанных в городе — архитектура, безусловная красота того, что сделано руками человека, заметно блекнет по сравнению с тем, что создала рука Творца — в интерпретации Андреева. Его городские пейзажи, за исключением нью-йоркских, часто не несут в себе такого же сильного заряда, как сельские...Ярким исключением, только подтверждающим правило, можно считать абсолютно удивительную работу «В храме», где, опять же, впрочем, главным героем выступили не люди, не архитектура, а Свет...
При том при всем я бы не сказал, что Андреев — религиозный, в традиционном смысле этого слова, художник... Энергии, которыми он наполняет свои фотографии — земны, теплы и осязаемы. Им было бы тесно в узких рамках цветного слепка с природы, если бы не воздух, в избытке заполняющий любую работу этого художника. Воздух, объем — вы можете называть это как угодно, но факт остается фактом — в фотографиях Андреева живет многомерность реального пространства. Может быть, в данном случае, можно установить какую-то связь с русским происхождением Владимира — ведь именно для России характерны большие расстояния, не потревоженные человеческим присутствием. А поскольку Владимир Андреев приехал в Америку человеком, большую часть жизни отдавшим стране, занимающей «одну шестую часть суши», то будет логичным предположить, что творческое его мировоззрение сформировалось еще там, еще до того, как он всерьез стал заниматься фотографией. Но Андрееву недостаточно просто чувствовать пространство, он его к тому же умеет организовывать — это касается выбора точки, с которой он снимает... И здесь надо признать, что Владимир обладает абсолютным чувством композиции — даром, надо сказать, редчайшим. Я не знаю, как он этого добивается: когда фотографирует или когда обрабатывает свои фотографии — но он безошибочно определяет «золотое сечение» изображения. То, что когда-то открыли и научились сложным путем просчитывать древние греки — распределять предметы по плоскости изображения с учетом перспективы так, чтобы у зрителя возникала иллюзия полной гармонии, некоей уравновешенности — Андрееву вручено природой по праву таланта. По этому же праву, видимо, он до такой степени свободно обращается с цветом, что искусства в его работах почти не видно. Что я этим хочу сказать? Зритель еще не успевает полюбоваться красотой линий, игрой цветовых пятен и смыслом того, что изображено, как уже оказывается буквально втянут внутрь этого пространства, ограниченного четырьмя брусками дерева. Это замечательно ощущается, когда вы имеете удовольствие созерцать «розовую» серию Владимира Андреева. Я не думаю, что за подобный эффект надо быть благодарным дизайнерскому образованию, полученному этим мастером в нью-йоркском Fashion Institute of Technology. Я склонен предположить, что этот внутренний артистизм, умение захватить зрителя сразу и целиком идет из актерского прошлого Владимира, от его артистического и музыкального образования в доиммиграционной жизни... В Москве он закончил Академию им. Гнесиных, а затем Институт культуры, после чего, проработав на российской эстраде 25 лет в качестве актера и режиссера, в 1992 году, в возрасте 45 лет переехал в Америку, где переучился на компьютерного дизайнера и открыл в себе дар фотохудожника... За плечами этого человека немалый жизненный опыт, не всегда позитивный... Откуда же в нем это наивное, почти детское видение мира? Как вообще такое может сочетаться? «Тайна сия велика есть...» «Для меня фотография — самое уникальное и одновременно самое доступное средство выражения моего отношения к миру... Из 20,000 моих фотографий где-то 150 я считаю работами очень хорошего уровня...» — сказал Владимир Андреев. Этот человек требователен к себе, как все настоящие Мастера. Может быть, поэтому с каждым годом его творчество становится все популярнее в Америке и на его родине, в России...
Леонид Зоншайн.
Эффект семени
«Art of Inspiration» — «Искусство вдохновения» — продолжает свой путь. Владимир Андреев и его команда работают: выставки прошли в Мурманске, Сургуте, Смоленске, Москве, Талдоме, Московской области, четыре выставки — в Нью-Йорке. В эти дни в главном выставочном зале Воркуты «Искусство вдохновения» представлено 150 работами 52 художников и фотографов России и Америки. В эти дни идет интенсивная подготовка к выставке в одном из выставочных залов Организации Объединенных Наций, которая откроется 6 декабря 2006 года. Мы также продолжаем проведение персональных выставок. Сегодня в зале «Русского книжного магазина 21» на Пятой Авеню в Манхэттене проходит открывшаяся 6 ноября этого года выставка яркой и интересной художницы Рины Лямпе. Художники — неразговорчивый народ, и говорят, что их творческая биография — в их работах. Но я попробовал побеседовать Рину Лямпе и разговорить её, задав ей несколько вопросов о творческой жизни.
Владимир Андреев (В.А.): Рина, ну и как начинался художник?
Рина Лямпе (Р.Л.): Мне кажется, это эффект семени — в ребёнке есть всё, что ему отмерено. Как скоро это будет отозвано, с какой силой и протяженностью во времени — это персонально. У меня есть фотография, где я рисую в 2 года, помню в детском саду очередь, просящих нарисовать домик, дерево, цветок…
В.А.: А какими были первые рисунки?
Р.Л.: Я была очень грустным и серьёзным ребенком, и трёхлетняя девочка на протяжении двух лет рисовала одно и то же — странную женщину в чёрном, рыдающую у могилы на фоне свирепой бури. Затем было много портретов, композиций. Одна из них — «Лель» — завоевала приз на конкурсе детского рисунка в Париже.
В.А.: А у кого вы учились?
Р.Л.: В 4 классе я узнала о художественной школе для одарённых детей, тайно сдала всё экзамены и только потом сказала об этом родителям. Ведь школа находилась в часе езды от дома. Обучение было контрастным — от теплого воспоминания о Наталье Васильевне Ватаниной до сурового: «Сломай и начинай всё снова!» на уроках по скульптуре. Затем было училище «Памяти Революции 1905 года». Вообще я мечтала о другой профессии. Моя учительница Наталья Васильевна ворчала: «Я не знаю, кем ты хочешь быть, но художник уже здесь», и далее, приговаривая: «Ну ради меня, ну попробуй!..», уговорила меня пойти на экзамены. Конкурс был 150 человек на место. Все мои знакомые занимались с педагогами, многие поступали годами. Пришедшие на первый просмотр заполонили всю Сретенку. Я с тоской смотрела на толпу и ждала, когда моя славная учительница уйдет и я убегу домой. Но она простояла со мной восемь часов и на следующее утро стояла за дверью, буквально волоча меня сначала на экзамен по композиции, затем по рисунку. Тут я поняла, что надо что-то предпринимать, и на экзамене по живописи в реалистичной постановке (в те-то годы) нарисовала чайнику большие глаза и огромные уши — но на следующее утро нашла себя в списках прошедших. Надежда была на литературу, историю и сочинение, но мне было сказано, что с моим дипломом я их сдавать не должна. Так я стала студентом. Как же мне повезло с группой! Такие разные — сражались, ругаясь, обожая друг друга, мы и по сей день храним влияние, отпечатки друг друга.
После окончания училища я продолжала много писать для себя и начала преподавать в Народном Университете искусств. Моим ученикам было от 16 до 102 лет. Они присылали работы с дальнего Севера, Юга, из больниц, тюрем, маленьких деревень, больших городов. Среди них были те, которых называют «примитивистами», у них был прямой выход на мир, они не разбегались на опыте предыдущих поколений, и от этого, видимо, результат — неожиданные образы, неординарно построенные композиции, поразительные детали. Их можно было учить только обретению большей свободы в их системе видения. И, конечно, они повлияли на меня в большей степени, чем я на них. Их работы заставили меня сесть и два года перебирать и заново примерять на себя то, чему я была обучена.
В.А.: Как повлияла эмиграция на вас?
Р.Л.: На второй день пребывания в Америке я устроилась на работу. Это была роспись деревянных яиц в традициях Палеха. На каждом из них могло расположиться до пятнадцати порхающих граций, и при сдаче работы скрупулезно пересчитывались пальчики каждой. В своей работе я с изумлением отмечала, как менялась моя цветовая палитра, и однажды я увидела, что изменилось нечто помимо цвета, и я уже никогда не смогу писать так, как я писала в России. Все эти годы я участвовала в выставках, параллельно оформляла книги, журналы, много лет я проработала как дизайнер почтовых марок, мне нравилось копаться в историческом и визуальном материале, искать необычные решения для традиционных тем. Заказы на марки поступали из Англии, Франции, Африки, Южной Америки, в общем, из 25 разных стран. Многие из моих дизайнов были отмечены на филателистических выставках.
В.А.: Над чем вы работаете сейчас?
Р.Л.: Сейчас я стараюсь больше времени работать над «своими» идеями. Мне нравится брать кусок материи, натягивать его на подрамник, несколько мазков, касаний, линий — и холст начинает дышать и жить. Это всегда как фокус. Мне и сейчас непонятно, как в работу кодируется моя энергия, эмоция, идея, как каким-то странным образом в работу входит время, а в лучшие из них — тайна. Я работаю, стараясь объединять внутреннее и внешнее, идею и материал, а по завершении работы находить людей, в которых они отзовутся. Сейчас мне интересно укрупнять тему, например: «Свет-тень». Я люблю разноликость и пульсацию Нью-Йорка, у меня очень много идей для работ об этом городе.
В.А.: И каково ваше основное желание как художника?
Р.Л.: Любить, оставаться живой, загораться новыми идеями, мучиться, писать, как будто начинаешь всё заново.
Владимир Андреев
Бруклин, Нью-Йорк
Художественность — главная ценность
Прекрасное создается через огромное чувство любви к тому, что выражено посредством живописи, рисунка и фотографии. Порой невидимые для обывателя линии и создают неповторимость формы, композиции. В беспорядочной любви есть свой порядок. У каждого вида искусства свои законы, свои определения, но нет никаких препятствий в совершенствовании, улучшении, изменении, поправке в законах, ведущих к лучшему пониманию или развитию. В искусстве фотографии такой простор, что иногда захватывает дыхание. Найти свой цвет, найти линии, которые передают движение, перспективу в огромном внутреннем пространстве и времени фотографии — вот цель фотографа как художника. В этом отношении помогает изучение живописи, рисунка, графики и, конечно, мастеров фотографии.
Изучая историю, убеждаешься только в одном: художественность — главная ценность фотографии как искусства. Художественность — это, прежде всего, те компоненты творческого поиска, когда через композицию ты отвечаешь: что, когда и зачем.Проблема четкого определения места фотографии среди других искусств волнует сегодня как представителей эстетической мысли, так и фотожурналистов, которые пишут о проблемах фотоискусства, подробно останавливаясь на истории фотографии, разбирая достоинства и недостатки целых направлений, приводя очень много ценных замечаний о взаимоотношении фотографии и изобразительного искусства, однако не называя четких критериев, по которым фотография включалась бы в семью искусств.
«Искусство ли фотография?» — так вопрос ставить нельзя. «Когда фотография становится искусством?» — вот на какой вопрос мы постараемся ответить. Фотография вначале возникла как технический прием фиксации действительности, и в таком качестве широко используется и поныне для документационных целей. Однако одновременно с ростом технических возможностей в фотографии произошли и качественные сдвиги, настолько существенные, что позволяют говорить о ней как об искусстве — с позиций искусства как катарсиса. «Поднося аппарат к глазу, фотограф интуитивно сосредоточивает на одной линии глаз, мысль и сердце. Именно эта секунда для фотографа — единственный момент созидания, в этом — накопление опыта, жизненного стиля, образа мышления, культуры, эмоциональности, воображения, случайности и я не знаю, еще чего», — пишет великий французский фотограф Картье-Брессон. Очень важно здесь именно это «не знаю» Картье-Брессона. Именно это «еще что-то» и есть катарсис, без чего все отмеченное Картье-Брессоном есть лишь смесь «сырых продуктов». Огонь, который превращает их в «пищу» — произведение искусства, и есть катарсис.
Процесс создание снимка состоит, вообще говоря, из двух неравных частей. Первая — собственно съемка, фиксация некоторого неповторимого мгновения жизни, вторая — работа в лаборатории, где первичный результат может быть до известной степени изменен. Обе эти стадии плюс третья — восприятие снимка зрителем — должны развиваться по законам создания произведения искусства, то есть в борьбе содержания, вызывающего бессознательный поток чувств, и формы, преобразующей эти чувства силой осознанных приемов. В этой схватке возникает катарсис (очищение) и рождается снимок как произведение искусства. Самым главным в создании снимка, безусловно, является первая часть — фиксация мгновения действительности. Если воспользоваться известными строками «из кувшина может вытечь только то, что было в нем», то «наливает кувшин» фотограф в момент нажатия на спуск затвора. В это мгновение, как уже говорилось, концентрируется все, чем богат фотограф как личность: и его эмоциональное богатство, выплеснувшее под влиянием действительности определенные чувства, этот сплав «способности видеть», социального «инстинкта» и интенсивной внутренней жизни художника, и его творческий потенциал, в том числе узкопрофессиональный, позволяющий ему раскрыть свои чувства, облечь их в наиболее яркую художественную форму путем использования всевозможных технических средств деформации и трансформации реальности. Все это соединяется мгновенно и, по сути дела, почти бесконтрольно — таким образом, осуществляется творческий акт. Отсутствие какого-либо из этих двух компонентов сразу исключает снимок из числа произведений искусства. В такой концентрации во времени, немыслимой в других видах искусства, — великая тайна и особенность фотографии.
Таким образом, подход к оценке фотографии как произведения искусства ничем не отличается от тех общих положений, которые применяются при оценке живописи, музыки и т. п. Фотоискусство также представляет собой чувственное освоение мира, зафиксированное в специальной форме, и эта фиксация совершается в противоборстве формы и содержания, через катарсис, вызывая тем самым психическую разрядку, просветление и сильнейший эмоциональный импульс на будущее. Этим фотоискусство выделяется из массы информационных и развлекательных фотографий, которые ежедевно обрушиваются на головы людей средствами информации.
Исходя из этих размышлений о фотографии, я, как руководитель проекта «Art of Inspiration», придумал способ, которым мы, участники проекта, собираем свою богатейшую коллекцию фотографий из многих стран мира, из разных регионов, в которых живут фотографы — создатели фотографий, тем самым нам удается создать уникальный, на наш взгляд, подбор произведений искусства, способный вызвать у зрителя ярчайший эмоциональный всплеск. И самым важным в нашей коллекции является то, что наряду с художественной фотографией мы представляем и живопись, и графику, и скульптуру, и рисунок, ставя тем искусство фотографии в один ряд с другими видами искусства.
1 июня 2006 года открылась выставка в Москве. В этой выставке участвовало уже 52 представителя мира искусства, как фотографии, так и живописи, графики, скульптуры...
Вот три отзыва от зрителей. Первый из них:
«Посмотрев фотовыставку, хочу выразить благодарность всему авторскому коллективу за его плодотворный труд и пожелать ему дальнейших успехов в искусстве. Спасибо вам!»
— В. И. Сапожников, Москва.
«Очень хорошая выставка. Смотришь на фотографии и ловишь себя на мысли: «Как было бы здорово попасть туда, где это было подмечено и снято — в то место и время»
— С.М. Лукьянов, Москва.
«Да здравствует цифра! Спасибо вам большое за такую замечательную выставку. Мы — школьники, очень рады, что попали сюда. Нам очень понравилось здесь. Как хорошо, что в нашей стране проводят такие замечательные выставки. Хочется пожелать только всего самого наилучшего, творческого и, конечно же, вдохновения. Спасибо вам за ваш труд!»
— Катя, Юля, Аня, 9-й класс, Москва.
Самое удивительное, что, собирая команду «Art of Inspiration», мы приняли в нее людей разных возрастов — самому юному из них 16 лет, самому старшему — 70. Вот уже год, как мы начали наш выставочный путь в России и в Америке. За этот год мы провели 6 выставок в Нью-Йорке и 4 выставки в России (Мурманск, Сургут, Смоленск, Москва). 29 июля этого года в городе Талдоме Московской области открылась наша очередная выставка. В Талдоме выставка пройдет в течение месяца и продолжит свой путь в городе Воркуте, где она откроется в конце октября этого года. Мы завершаем наш творческий год командой в 54 человека, каждого из которых мы представим на экспозиции, в выставочном зале Организации Объединенных Наций с 3 по 14 декабря 2006 года в Нью-Йорке.
«Art of Inspiration» продолжает свой путь. Конечно, потребуется время, чтобы провести ряд индивидуальных выставок участников нашего проекта, чтобы сделать большой творческий анализ того, что мы собрали вместе. Мы продолжаем наш путь, и я, как руководитель проекта, выражаю огромную благодарность всем, кто принимает участие в нашем проекте. Да будет интересен ваш творческий путь, да будет интересна ваша творческая жизнь, да благословит вас Бог!
В статье использованы материалы из статьи Михаила Дашевского «Фотография как искусство».
Владимир Андреев|Sunday, 30 July 2006
Бруклин, Нью-Йорк
Гордимся талантом
Известное высказывание о том, что для настоящего таланта не существует границ, нашло свое очередное подтверждение на презентации международной выставки «Россия — Америка: Самовыражение», состоявшейся в администрации района в начале августа...
На презентации международной выставки «Россия — Америка: Самовыражение»
Экспозиция на две недели нашла свое пристанище в Талдоме после того, как покинула стены Фотоцентра Союза журналистов России в Москве на Гоголевском бульваре. Участниками проекта уже стали Мурманск, Сургут и Смоленск. После 12 августа выставку ждут в Воркуте, Краснодаре, Киришах, Санкт-Петербурге, Кемерово, Новокузнецке, Ангарске, Иркутске и Владивостоке.
В Талдоме это событие стало возможным благодаря организационной поддержке руководителя проекта по обмену выставками с Россией и другими странами «Art of inspiration» Владимира Андреева (США, Нью-Йорк), некоммерческого благотворительного фонда «Памяти А.И. Чугунова» и администрации Талдомского района.
Отправной точкой этой выставки, объединившей более сорока именитых российских и американских фотохудожников, стало творчество журналиста, фотокорреспондента, дизайнера районной газеты «Заря» Ольги Дроздовой, которая своим щедрым даром художника объединила единое восприятие красоты мира жителями двух континентов.
Благодаря интернету талдомские пейзажи в преломлении объектива ее фотокамеры задевают за живое бывших соотечественников и трогают сердца простых американцев. Увидев в одном из фотоклубов снимок Ольги Дроздовой «Вечерняя радуга», любители музыки Рива и Джордж Лансфорды из Хьюстона, штат Техас, попросили использовать снимок для обложки их нотно-песенного альбома «Радуга после бури». Вскоре авторы прислали книгу в Талдом. Это был первый творческий контакт с представителями американского континента.
Чуть позже работы Дроздовой высоко оценил Владимир Андреев, наш бывший соотечественник, ныне житель Нью-Йорка, организатор и руководитель проекта Art of inspiration (Искусство вдохновения). В рамках этого творческого обмена выставками с Россией и другими странами Ольга Дроздова, помимо открывшейся в Талдоме выставки, вместе с другими авторами в декабре этого года примет участие в экспозиции, которая разместится в здании Организации Объединенных Наций в Нью-Йорке. Примечательно, что в информационной поддержке проекта участвуют известные и популярные издания: журнал «Я», газета «Русский базар», радио «Альянс», телеканала RTVi, а также Генеральное консульство Российской Федерации, вице-консул Михаил Пронин, президент русского книжного клуба при ООН Александр Туболец. Так что есть все основания говорить о серьезном масштабе мероприятия, что не может не радовать — истинное искусство нуждается в мировом признании...
...Презентация, собравшая поклонников творчества фотохудожницы и просто любителей искусства, началась с приветственного слова главы Талдомского района Александра Белова, который высоко оценил значимость появления столь престижной выставки на талдомской земле. «Мы горды тем, — сказал он, — что у нас живут и обретают международное признание такие талантливые люди. Пусть наш край, его замечательная природа станут неиссякаемым источником вдохновения для создания новых шедевров».
Трудно было подобрать иное слово для оценки увиденного — привычные пейзажи обрели неожиданный ракурс, в заморских снимках прочитываются славянские мотивы, возникли новые решения цветовой гаммы как в панорамах американских мегаполисов и каньонов, так и в отблесках вечерней зари над речкой Дубной, городской стоп-арт сменяется готическим фото, снимок в стиле импрессионизма разделил пространство с классическим портретом... Ценно и то, что выставка не имеет определенной тематики и тем самым дает зрителям больший шанс оценить и прочувствовать современные возможности фотоискусства, которое развивается на стыке первозданного материала и его технической корректировки... Столь широкое многообразие жанров объединяет лишь один элемент — все работы выполнены очень талантливыми людьми, обладающими профессионализмом, опытом, чувством прекрасного и остротой восприятия.
Об этом на открытии говорили заместитель главы администрации района Евгения Страхова, председатель комитета по культуре Фания Мустафина, начальник отдела социальной политики администрации городского поселения Талдом Светлана Курсова. Восхищение и гордость слышались в приветственных словах представителя фонда «Памяти А.И.Чугунова» Михаила Попова. Кстати, уместно отметить, что поддержка талантливых людей, среди которых фотографы Анатолий Чернов и Сергей Помадчин — участники выставки интересных творческих инициатив — главное направление деятельности этого дружного коллектива единомышленников. Только в этом году фонд, который возглавляет Игорь Кокорев, выступил организатором и участником более десяти подобных мероприятий.
Во многом благодаря представителям фонда презентация прошла в теплой, чудесной атмосфере, которую украсил своим пением бард Валерий Дроздов. Подарком для всех стал мини-концерт известного музыканта, композитора и исполнителя, ведущего музыкальных программ «На завалинке» и «Были на виниле» («Радио России») Олега Чвикова. Как красиво и гармонично звучали его романсы в интерьерах фотополотен!
В одном из отзывов, пестрящем множеством восклицательных знаков, есть такие слова: «Работы удивительные! Яркие, живые, сочные! Хочется вглядываться и погружаться в сюжеты бесконечно... Талдом — Нью-Йорк — звучит свежо и перспективно! Рады за Ольгу Дроздову и ее друзей-фотографов, гордимся успехами, верим в неисчерпаемость таланта!
Желаем Ольге сил, энергии, новых побед — пусть название нашего Талдома гордо звучит и на американском континенте!»
www.ya-online.com/content/view/340/248/
Елена Быкова|Monday, 28 August 2006
Талдом, Россия
Искусство Майка Мастроджакомо
Живопись — один из величайших видов Искусства, посредством которого мы имеем широкое представление о прошлом, настоящем и будущем. Сколько вдохновенных эмоций вложено художником в цветное полотно, сколько энергии накапливает и отдает оно людям!
В основе любого вида искусства, будь то фотография, скульптура, поэзия, проза, живопись, искусство кино и театра, лежит глубокое размышление Творца о жизни человека, о жизни всего живого на планете Земля, о жизни Вселенной. И чем активней Творец размышляет, тем выразительней, эмоциональней, понятней и доступней его искусство.
В моей команде «Искусство Вдохновения» или «Владимир Андреев и его друзья» три американских художника — Джеймс Джаздорфер, Илай Кинс и Майк Мастроджакомо, которого сегодня я вам представляю. Майк Мастроджакомо — итальянец по происхождению, родившийся и живущий в Америке. Он начал писать рано и, получив образование в Высших Школах Живописи, в поисках своего собственного стиля работал маслом. В период 1985-1993 года Майк Мастроджакомо имел 9 персональных выставок и 8 с группами художников. Его работы успешно приобретались любителями живописи, а его стиль живописи нравился многим, посещавшим выставки.
В 1990 году Майк прекращает писать картины. Есть моменты в творческой жизни, когда человеку необходимо оглядеться, осмотреться, осмыслить и понять, что делать дальше. Вот такой момент наступил и у Майка. Но после нескольких лет раздумий он пришел к очень интересному виду живописи. Я бы назвал это скульптурной живописью. Богатый творческий опыт дал Художнику необычайную силу воображения для создания интереснейшей серии скульптурной живописи. Это, конечно, сюрреализм, с присутствием некой мистики. Живая среда — огонь и вода, небольшие предметы быта, элементы живописи, объединенные в пространстве, выражают ту или иную философскую мысль. Сначала Майк Мастроджакомо показывал работы только своим близким друзьям, а вскоре уже на выставках. Об этих работах действительно трудно писать, эти работы художника необходимо видеть.
Сейчас Майк Мастроджакомо увлечен также акварелью. Именно этот вид живописи помогает ему выразить тему героизма и трагедии в войне. Его акварели выразительны и динамичны. В них интересно всматриваться и размышлять.
Мне нравится, как работает и творит Майк Мастроджакомо. Мне нравится, что он открывает в себе все новые и новые грани таланта Живописца. Мне нравится, что он своим творчество, высказывается Миру свободно и открыто. Надеюсь, что он еще долго будет радовать нас своим искусством — искусством Майка Мастроджакомо.
Природой созданный художник.
Писать о художнике, исскуство которого близко и дорого тебе трудно. Трудно потому, что его картины висят в нашем доме и являются частью украшения, дизайна и энергетики дома, и еще мы работаем вместе и еще мы дружим. Как-бы не пойти по пути восхволения и торжества.
Две картины мы купили у художника, а третью он подарил нам. Картина написана маслом и называется «Апрельский снег», и что удивительно, несмотря на снег, который падает или как-бы метет от картины исходит тепло и желание пойти на этот мост и насладиться реальностью этого места. Художник рассказал мне историю, относително создания картины. Когда-то, в один из дней его детсва пришел он с отцом на этот мост и они вместе любовались открывшемся видом, пейзажем. Мальчик сказал: «Отец, я хочу быть художником, хочу писать картины.». Отец обнял сына, поцеловал и сказал: «Я верю в твою мечту. Придет время и ты напишешь этот мост и это будет одна из лучших твоих работ. И на этой картине будем мы. Нас никто не увидит, но наше энергетика, наши желания будут жить на этом полотне».
Так оно и есть. В каждой работе художника живет мечта, осуществляющаяся мечта, потому что настоящий художник, как правило, идет к своей мечте всю жизнь.
Он рисовальщик, прекрасно чувствующий форму, он мастерски владеет пастелью, одного из самых сложных видов живописи, и, конечно, маслом, где он архисвободен.
Джеймс Джаздорфер начал писать картины в 20 лет, после окончания школы. Искусству рисования и живописи он учился в Колледже, который находился недалеко от дома. Пока он учился жил с родителямя я и работал на строительстве дорог. Многому он научился благодоря самаобразованию. Он изучал Мастеров Мировой Живописи, делал копии, писал натуру. И шел к своей мечте. Через некоторое время Джеймс начал выставлять свои работы в галлереях и начал работать, как иллюстратор Книг-пособий для Армии. Это была техническая иллюстрация. Вскоре , изучив программу 3Д начал работать для компании Titan Sports.
В тоже время состоялась первая коммерческая выставка в Нью Йорке, а затем в Вашингтоне.
Накапливался опыт и мастерство. Создавая спец-арт-эффекты для спортивной формы Джеймс Джаздорфер добивался уникальной пластической формы. Живопись и рисунок стали приобретать в его работах лишь ему присущую стиль и форму. Он добивается от работ реальной эмоциональной силы, способной жить в природе и рядом с человеком. Это особый талант, его нельзя приобрести, с этим рождаются. Конечно, необходимо, чтобы эта природа стала работать там, где ты пишешь и рисуешь. Думаю, что именно по этой причине его картины покупают, и дополняют интерьеры домов политрой красок.
В октябре 2004 года я организовал и провел персональную выставку в Бруклине, где ясно увидел и осознал – Джеймс Джаздорфер талантливый и природой созданный художник, который еще долго будет радовать нас своим творчеством.
Он член моей команды «Искусство Вдохновения», работы которой (фотографии, живопись, рисунок, деревянная скульптура) успешно сегодня экспонируются в Сургуте, а в марте выставка работ откроется в Смоленске. В основе выставки « Владимир Андреев и его друзья» лежат 14 замечательных работ моего друга, талантливого человека, художника Джеймса Джаздорфера.
Владимир Андреев
Прикосновение к таланту
Маргарита Шкляревская
Русский Базар №47(605) 22 - 28 ноября, 2007
И счастие с тобой,
Пока ты вечен и неистов.
Джон Китс
На выставку новых работ любимых моих Евгения Тоневицкого и Александра Шабатинаса пришла я за день до её открытия, когда картины были уже развешаны, а народу почти не было. Тишина. Простор для мыслей и чувств. «Из собственной судьбы я выдёргивал по нитке...» Эту гениальную строку незабвенного Булата Окуджавы повторяла я, замирая перед каждым полотном или рисунком, сопоставляя сказанное художниками со своими страхами, проблемами, сомнениями, с ниточками грубо сотканной своей судьбы. Я была потрясена.
Они абсолютно разные, эти два (ну, не разлей вода) друга. Два непохожих человека, с разными привычками, темпераментом, особенностями характера. Шабатинас – уравновешенный, с чуть замедленной реакцией, насмешливый, с тонким юмором. Любое дело доводит до конца. Решения принимает трудно, но уж если принял... У Тоневицкого два дела жизни – он дизайнер женской одежды (работает в команде Доны Каран, и разработки его частенько занимают призовые места) и, если можно так выразиться, дизайнер женской души. Главная героиня его живописи и графики – женщина. Правильнее было бы сказать, что обе его ипостаси слиты воедино, их не разделить. А ещё Женя умеет броситься на помощь. «Профессиональный друг», - говорят о нём. Человек невероятно добрый, фантастического трудолюбия.
И как художники Шабатинас и Тоневицкий тоже разные, хоть и тяготеют к сюрреализму, но – в различной, абсолютно самобытной для каждого манере, стилистике, с иной мерой духовности и пластикой... Разные во всём. А разве не сказано у Экклезиаста: «Двух одинаковых Богу не надо»? Но вот что их объединяет, так это очевидный талант, увлечённость искусством и беспокойный внутренний мир, который они мастерски отображают .
О сути сюрреализма ещё на его взлёте говорили: “Это дерзкое желание, не знающее границ”. Для творчества Тоневицкого такое определение верно. Его живописные и графические работы полны дерзских желаний – яркой полноценной жизни, любви, слияния.
Выразительность и значительность богатых подтекстом патетических композиций Тоневицкого, глубинное познание женской души и характера - удивительны. Особенно проявленные в виртуозной его графике. «Рисунок – это память о моменте». Такое умозаключение Михаила Ромадина часто повторяют. Но для Тоневицкого оно несправедливо, каждый его рисунок – всегда философское обобщение. И это не только наброски замысла мастера, его фантазии, но и тщательно разработанная композиция, конструктивное и художественное решение, обретшая форму идея. И всегда самостоятельное, законченное произведение, которое отличают необычайная лёгкость, верность и музыка линии. Вот как в этом замечательном аналитическом рисунке, в котором зашифрована вся наша сегодняшняя многосложная жизнь с её громоздящимися друг на друга проблемами, исканиями, притязаниями... И по крутой этой лестнице вместе с мужчинами, подчас отодвигая и обгоняя их, карабкается и женщина, которой всё это трудно вдвойне. Но и достигнув многого, продолжает мечтать о том, чтобы любить и быть любимой, не потерять в себе женщину. Что и подтверждается в том рисунке, у которого невозможно не задержаться: «Вознесённость любви» - так , через тернии к звёздам, и можно вознестись. Если поддержит, поможет чья-то сильная рука, слова, чувства, преклонение.
Для графики Тоневицкого характерны не только сложнейшая штриховая техника, но и ещё более сложная неоимпрессионистическая игра в дивизионизм, когда пространство между линиями, в контуре рисунка заполнено крохотными, тщательно выполненными геометрическими фигурками, создающими светотеневой эффект. И сделано это абсолютно оригинально, ни в коем случае не в подражание зачинателям дивизионизма, в чём вы можете убедиться, посетив в нью-йоркском Музее современного искусства выставку графики Жоржа Сёра.
Не может не заинтересовать «Пророчица» Тоневицкого. Дело в том, что прорицания её обращены к самой себе. Это некий волевой посыл. Она, не слишком красивая и не очень юная - верит! А значит, желания её сбудутся, и судьба огранит их, как тот алмаз, к которому художник приравнял её сердце. Неутраченные иллюзии.
И вот ещё что очень важно: работы Тоневицкого оптимистичны, всегда со знаком плюс, обладают положительной энергетикой, отдавая её зрителю, заряжая его уверенностью.
«Соблазн». В грациозном изгибе тела, в платье, зовущее это тело обтягивающем, в самом духе напряжённой эротики. Она, героиня, парит, уверенная в себе, в разрешимости всех своих амбиций, и только в уголках глаз таятся сомнение и боль. И этот яд сомнений (я вспоминаю прошлую очень интересную работу мастера) искажает красивое лицо, вносит, увы, неизбежный внутренний разлад. Злые флюиды летят от неё, и море всяческих неприятностей ждёт того, кто её чарам поддастся. Но ведь как хороша! Как соблазнительна!
Как и те разные женщины, которых свели художник и искрящийся ночными огнями Нью-Йорк во впечатляющем многокрасочном монтаже. Каждая из женщин возносится в мечтах выше башни высочайшего небоскрёба, несёт факел надежды, как сама Леди Либерти. Но...Неумолимая судьба отсчитывает часы и молодости, и задора, и привлекательности, и надежд. Мелькают годы, и они становятся призрачными иллюзиями. Такова аллегория убегающего времени надежд.
Если в каждой работе Тоневицкого присутствует прочитываемый сюжет, то невероятно экспрессивная живопись Александра Шабатинаса таит в себе заряд глобальных общечеловеческих обобщений - это призыв к сопротивлению злу и духу разрушения, к стойкости, к добру, к самосовершенствованию, к любви. И это портрет нашего времени со всеми его катаклизмами и неоправданной, фантасмагорической жестокостью и ненавистью. Сегодняшними и грядущими.
Вообще творчеству художника свойственна некая театральность, даже, скорей, кинематографичность. Его сюжетика – психологический триллер. Шабатинас не играет в абсурд, он анализирует жизнь. И что поделаешь, если она порой – готовый сценарий для фильма ужасов. Вот как его пронзающе образный «Расколотый мир».
В каждой из картин-предупреждений художника - тревога, ожидание каких-то неизбежных катастроф. Каждая освещена глубокими раздумьями и социальным смыслом. Образное, сквозь душу пропущенное восприятие действительности у Шабатинаса обострено невероятно. Оттого его несущие черты необычности и кажущейся зауми, близкие по стилистике одновременно и к сюрреализму, и к абстрактному экспрессионизму полотна, неожиданно доходчивы и популярны, а сам художник в Америке востребован: свыше полусотни его картин проданы на аукционе Сотбис.
В его живописи – романтика потери, ореол беды, осознание добра и зла. И всюду силуэты родного его Каунаса, старые стены ни на какие другие непохожих домов, черепичные терракотовые крыши, медальные лица светловолосых женщин...
Парадоксальные картины Шабатинаса каким-то непостижимым образом эротичны, а в последнее время у сдержанного художника появились нагие женщины, его философские полотна насытила чувственность. Колористика у Шабатинаса стала куда более богатой, исчез навязчивый синий колер прошлых лет. Как писал Дали: «На меня обрушились все краски мира».
